Captain Kid, Sébastien Sigault pour les intimes, parisien d’adoption a étudié le cinéma puis la philosophie lors de ses premières années dans la capitale, années durant lesquelles son goût pour la littérature et les salles obscures prit le pas sur son ambition adolescente de devenir la rock star la plus adulée de l’histoire du star system universel. Mais la guitare restée chez les parents ne tardera pas à refaire son apparition et bientôt le retour à la musique prendra un tour plus évident, plus symbolique aussi. Au décès de son père il s’offre, vieux rêve jusqu’alors inassouvi, un piano. L’instrument lui donnera la fougue et la détermination pour reprendre son parcours de musicien. Plus motivé que jamais, il s’installe à Londres, prend des cours de chant, d’harmonie, de composition, passe des nuits à peaufiner son style.

De retour à Paris il compose ses premiers morceaux depuis longtemps (prions pour que l’humanité ne garde pas trace du lamentable « I’ll drink your blood ’till my head goes numb » composée à l’âge de 14 ans et demi…) et se nourrit de l’accueil enthousiaste qu’elles suscitent auprès de son entourage. Il foulera ensuite ses premières scènes, lieu qu’il appréhende avec un naturel désarmant et sans la moindre crainte. Il tourne régulièrement et affiche au compteur déjà plus d’une centaine de concerts réalisés dans toute la France.

Le cercle des admirateurs ne manquera pas de s’élargir et comptera bientôt le génial Julien Ribot (plusieurs album unanimement salués et des qualités d’arrangeur de plus en plus recherchées). Sébastien, certain que le mélange de leurs deux univers fera merveille, décide de laisser carte blanche à Julien pour les orchestrations et arrangements de son premier album dont l’inspiration se situe quelque part entre Divine Comedy, Andrew Bird et Simon & Garfunkel. La voix chaude et suave de Sébastien , la présence d’instruments inattendus (hautbois, cor, clavecin, harpe…) qui confirmera l’influence de la musique classique sur les orchestrations et la présence de musiciens venus de tous horizons musicaux (le violon et violoncelle du groupe expérimental Chkrrr, ) donneront à cet album pop-folk une palette de couleurs audacieuse aboutissant ainsi à un projet musical d’envergure ne manquant pas de mettre en alerte bon nombre de labels.
Dans l’attente de la sortie imminente de ce premier disque dont on risque fort de (re)parler, la Caisse d’Epargne a pris de l’avance en sélectionnant We and I (chanson “hymne” et déjà énorme succès sur la toile et sur Itunes et qui rappelle les plus belles heures de Damien Rice ou de Ray Lamontagne) pour accompagner sa toute nouvelle campagne publicitaire.

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Le Clip de son 1er single « We & I »

MORY KANTE
« La Guinéenne »

Mory Kanté est une légende. Ce musicien traditionnel d’Afrique de l’ouest, s’est d’abord fait connaître dans les années 70 sur la scène locale, avant de dominer les tops internationaux dans les années 80 (résidant à Paris, sa ville d’adoption) et de bénéficier de l’engouement que suscita la musique africaine dans le monde au cours des années 90. Dix années plus tard, il retourne dans sa Guinée d’origine pour devenir un des moteurs du développement économique et une source d’inspiration pour une nouvelle génération d’africains.

Le nouvel album de Mory Kante, son 11ème, intitulé « La guinéenne », a pour thèmes récurrents l’optimisme et l’inspiration. La chanson du même nom, est aussi bien un témoignage d’amour à l’Afrique et à la Guinée qu’un trésor de conseils avisés sur la confiance, l’abnégation au travail, la gratitude et l’importance de préserver les traditions face à la modernité.

La sagesse de Mory Kante est le fruit de ses nombreux voyages et de son implication auprès des populations, à l’image de son soutien aux initiatives de l’Organisation des Nations Unies pour l’alimentation et l’agriculture (comme la campagne récente pour le milliard d’affamés chroniques), ou à celles de l’UNESCO et d’autres programmes d’aide aux réfugiés, pour sauver les forêts en danger et tenter de mettre fin à la pratique de l’excision.

Le titre « La guinéenne » représente une première dans l’important catalogue de Mory Kante. C’est un hommage retentissant aux femmes de ce monde, trop souvent opprimées et négligées malgré tous leurs sacrifices, leur dévouement et le rôle central qu’elles jouent dans le développement des populations. « La guinéenne » est aussi un tour de force musical pour ce pionnier dont le travail a permis de façonner la voix de l’Afrique de l’ère post-coloniale, et qui est ainsi devenu l’un des interprètes les plus influents et les plus attachants de la musique africaine contemporaine.

Mory Kanté est né en 1950 dans le village d’Albadariya dans la région du Kissidougou en Guinée. « Pour réellement me connaître » nous dit-il, « il faut véritablement apprécier le caractère authentique de mon histoire. Je suis griot, fils de griot, provenant de la famille Mande ». Mory Kanté nous raconte l’héritage de son statut de griot, ou djeli, véritable historien musical dont les connexions familiales remontent aux premiers jours de l’Empire Mandingue, qui imposera sa domination politique et culturelle en Afrique de l’Ouest dès le début du XIIIe siècle. « Djeli c’est le sang », nous dit Mory « l’essence de l’homme ». Mory Kanté est djeli des deux côtés de sa famille, son père (El Hadj Djelifode) était un Kanté, sa mère (Fatouma) une Kamisoko, tous deux issus de clans griots reconnus et originaires du Mali. Mory Kanté se souvient : « J’ai grandi entre ces deux familles et j’ai grandement bénéficié de la tradition orale pour mon expérience musicale. Je suis allé ensuite dans une école blanche puis dans une école coranique. J’ai donc eu trois types d’éducation en grandissant : griot, coranique et blanche ».

Suite à l’indépendance de la Guinée en 1958, le père de Mory Kanté écrivit des chansons pour célébrer la naissance de la nouvelle nation, il sera d’ailleurs décoré en retour. Durant son enfance, Mory Kanté apprit le balafon puis la guitare et réalisa alors qu’il devait utiliser son talent dans la continuité des enseignements ancestraux, au-delà de l’accomplissement musical, afin de promouvoir la nation. Malgré son talent précoce, Mory garda les pieds sur terre – après tout, il n’était que le dernier de 38 enfants ! Poursuivant ses études à Bamako au Mali dès l’âge de 15 ans, il se retrouva bientôt dans The Apollos, groupe local mélangeant divers instruments traditionnels comme le balafon et le Ngoni (famille des luths) avec des instruments occidentaux. « Qu’est ce que la musique africaine ?» nous demande Mory en repensant à cette époque. « C’est de mettre des instruments traditionnels et modernes ensemble. C’est l’identité de la musique africaine. Avec le jazz, les musiques afro-cubaines, et celles des Caraïbes, du Moyen-Orient et du Maghreb. Notre identité repose sur cette association, avec le jazz et la pop tout particulièrement. »

Peu de temps après, Mory débuta sa remarquable épopée dans le Rail Band de Bamako, qui innovait dans l’association de la tradition africaine et du style occidental. Depuis son intégration en 1971, Mory partagea la scène avec Salif Keita ou le guitariste virtuose Djelimady Tounkara. Au fil des années il apparut en tant que joueur de balafon, guitariste, batteur et chanteur… « J’ai tout joué mis à part les cuivres. J’étais un musicien polyvalent ». Au cours de ces années il apprit également à jouer de la harpe mandingue à 21 cordes et de la kora sous la direction du maître griot Batrou Sekou Diabaté à Bamako. Il révéla son talent naturel pour cet instrument, qu’il joue sur une pièce vieille de 80 ans donnée par Batrou Sekou. Mory deviendra par ailleurs le premier d’une longue série de musiciens africains à brancher la kora pour l’utiliser sous forme électrique dans un groupe contemporain. Bien que décriée au départ, cette innovation permit de donner une visibilité internationale à l’instrument, mais également à son interprète, puisque Mory Kanté sera nommé pour une série de récompenses honorant sa contribution à la musique africaine. Il fut également l’un des premiers artistes à remporter un Kora (prix distinguant les meilleurs artistes d’Afrique de l’Ouest), à ajouter à la liste de prix français, dont les Maracas d’Or et les Victoires de la Musique qu’il remporta à trois reprises.

Mory arrêta l’aventure du Rail Band à la fin des années 70 pour se consacrer à une carrière solo, qu’il entama à Abidjan en Côte d’Ivoire. Il commença avec une base traditionnelle dans laquelle il incorpora la musique dance populaire du moment. Au moment de sa venue à Paris, au début des années 80, il définit la base d’un nouveau son visionnaire. Le tournant majeur de sa carrière vint avec le morceau « Yeke Yeke », cette adaptation d’une danse festive traditionnelle de son village, au rythme appuyé, qui bénéficiera désormais grâce à lui d’une production dance pop soignée, d’une section cuivre pleinement déployée, des accords d’une Kora électrique, le tout rehaussé de la voix perçante et puissante de Mory.

Des albums comme « A Paris » et « 10 Kola Nuts » terminèrent d’asseoir la réputation de Mory comme un défricheur de la musique africaine, mais ce fut « Akwaba Beach » en 1987 qui fit le plus grand effet. Sa version rapide et électronique de « Yeke Yeke » domina les classements européens, notamment le Billboard américain, devenant la carte de visite de Mory partout dans le monde. 24 ans plus tard, au festival Mawazine de Rabat au Maroc, en 2011, une foule de 40 000 fans d’Afrique du Nord reprenait en chœur le morceau dans une transe indescriptible. Entre-temps, Mory avait déjà sorti 5 albums pendant sa période parisienne, et notamment l’hommage à ses racines acoustiques et traditionnelles, l’album « Sabou » en 2004.

« La guinéenne » marque le retour de Mory Kante à la formule musicale emblématique du grand ensemble, ou big band. C’est également le retour de Mory en Guinée, où il a monté Nongo Village, un centre culturel avec des studios d’enregistrement, un hôtel, des restaurants, des boîtes de nuit, des salles de concert, insufflant un nouvel élan créatif dans la banlieue de Conakry qui porte son nom, Morykantea. Mory Kante enregistra les titres originaux du nouvel album « La guinéenne » à un moment charnière pour la Guinée, qui sort d’une période préoccupante de remous politiques. Le retour de Mory Kante, avec son statut d’entrepreneur, représente un témoignage de confiance envers son pays d’origine, inspiration principale de son nouvel opus. Mory Kante apporta les morceaux au producteur Philippe Avril, avec lequel il collabore étroitement, s’adjoignant l’aide d’une section de cuivre à 5 pièces venant du nord de la Norvège (aussi présente sur la tournée récente de Mory en Arctique) pour compléter l’album. Le résultat est un véritable mélange culturel aux racines du folklore authentique ouest-africain, qui étincelle grâce à la précision et au soin apportés par une production de haute volée.

Les 10 morceaux de l’album proposent quelque chose en plus : conseils avertis et groove destinés à fédérer les esprits. Fort de ses 27 musiciens, le morceau « Yarabini » (ma famille) ouvre en grande pompe ce témoignage respectueux et paternel à la jeunesse guinéenne, soutenu par la mélodie et l’énergie des cuivres. « Tedekou », porté par le balafon, parle également de la jeunesse et célèbre les danses qui accompagnent les parades de séduction et les mariages en soulignant l’importance des vieilles traditions. Sur le chaleureux « Sikaa » aux airs latins, Mory Kante conseille à chacun de sonder les doutes que l’on peut ressentir à l’occasion d’un mariage ou d’un contrat d’affaires, afin d’éliminer tous ses questionnements personnels avant de s’engager. « Tu ne peux pas choisir ton frère » chante Mory Kante, « mais tu peux choisir ton épouse ou ton associé ». « Sarantan » montre une facette musicale emblématique de la Guinée, un mélange de flûte Fulani (ou flûte peul) et de balafon mandingue, qui procure un état de bonheur absolu. Ce groove joyeux nous met cependant en garde contre les personnes malhonnêtes et peu dignes de confiance qui se retrouvent dans nos sociétés à travers les époques. « Nodiche » met en garde de la même façon contre les hommes qui abusent des femmes

Les femmes sont au centre des chansons. Le titre « La guinéenne » est une célébration majestueuse de ces « mères de l’humanité ». Mory Kanté chante un hommage aux femmes de ce monde qui nous ont « nourris, éduqués, servis, soignés et instruits ». Mory exprime sa reconnaissance de manière éloquente, avec beaucoup de conviction, et à point nommé, alors que le sujet de la situation préoccupante des femmes, longtemps relégué au second plan, devient une composante principale du discours politique en Afrique.

Mory exprime également sa reconnaissance au Mali, où il a débuté sa carrière et tant appris dans sa jeunesse. « Malibala », reggae chaloupé et pentatonique classique des Bambara du Mali, est un témoignage de toute sa gratitude pour les maliens, des présidents aux citoyens, hommes et femmes, en passant par les musiciens. Il y chante « Je penserai à vous jusqu’à ma mort ». Le séjour du jeune Mory Kante au Mali lui donna l’opportunité de changer sa vie. Porté par les volutes funk du titre « Bedoke », Mory encourage les jeunes africains à chercher de telles opportunités dans leurs propres vies. « On a tous une chance d’arriver à construire une carrière. Il faut juste y être préparé », dit-il, soulignant l’importance de l’éducation, de l’humilité, du travail et d’une communication efficace comme moyens de s’y préparer. « La Guinéenne » se termine sur la chanson «Oh Oh Oh », inspirée d’une chanson traditionnelle guinéenne, portant malgré tout le message universel qui est à la base de l’engagement artistique de Mory Kante, message mis en valeur par des paroles en français et en espagnol, et par une production et une rythmique enlevées. La musique africaine moderne et la vie doivent commencer avec la tradition pour ensuite se retrouver dans le monde entier. C’est un message que cet artiste singulier met en application tous les jours de son extraordinaire destin.

L’EPK du nouvel album

DISCOGRAPHIE

1981 – Courougnégné (Ebony, Côte d’Ivoire)
1982 – N’Diarabi (Balani/Mélodie, France)
1984 – Mory Kanté à Paris (Aboudou Lassissi/Barclay, France)
1986 – Ten cola Nuts (Barlay, France)
1987 – Akwaba Beach (Barlay, France)
1990 – Touma (Barlay, France)
1994 – Nongo Village (Barlay, France)
1996 – Tatebola (Mory Kanté/Misslin, France)
2001 – Tamala (Le Voyageur) (Sono/Next Music, France)
2004 – Sabou (Riverboat/Wolrd Music Network, UK)
2012 – La Guineenne (Discograph, France)

Après le succès de la 1ère et 2ème édition qui ont permis découverte d’artistes tels que La Féline, Le Collectif Yeepee, OK Bonnie, Béa, ou encore Dan Panama. Cette année, le thème retenu est celui des duos. Le jury composé de l’équipe artistique de Discograph a choisi 11 artistes lors de deux sessions, dont les oeuvres auront été les plus originales et les plus abouties.

Pour le moment, Les lauréats de la première session ont vu leurs titres commercialisés sous forme d’EP numérique par Discograph le 31 Octobre 2011 sur des plateformes de ventes tel que iTunes et sont disponible à écouter sur Deezer et Spotify. Chaque EP a fait l’objet d’une mise en avant sur le site de DISCOGRAPH et la boutique OURSHOP du label (www.discograph.com/ourshop). Les artistes de la 2ème session veront leur titres commercialisés fin novembre.

Suite à cela un jury composé de professionnels du disque, de la tournée et de médias désignera un artiste, parmi les 11 de l’opération, pour lequel sera réalisé un vidéo clip de leur morceau phare!

Les Laureats:

1ère Session

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2ème Session

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Un « carnet de voyage ». C’est ainsi que Flavia Coelho, fille de l’air née à Rio de Janeiro et installée à Paris depuis 2006, décrit son premier album. L’image colle à ce disque virevoltant, fidèle reflet d’une existence joyeusement mouvementée, ouverte à la beauté des découvertes et des rencontres. Son titre, Bossa Muffin, qui est aussi celui d’un irrésistible single (le deuxième après le très remarqué Sunshine), claque comme une déclaration d’indépendance, ou un manifeste. Mais un manifeste sans dogmes ni mots d’ordre, qui dans la spontanéité du geste musical chanterait avant tout les vertus du métissage, de la mondialisation sous son visage le plus humain. Qu’est-ce donc que ce Bossa Muffin ? Un mélange sans pareil entre les trésors harmoniques de la samba et de la bossa nova, les mélodies obsédantes des musiques populaires nordestines (forro, pagode…), les syncopes chaloupées du reggae, la tchatche virtuose du raggamuffin, les pulsations fondamentales des musiques africaines, voire par instants les tonalités de la rumba catalane… Le tout relevé par la voix de Flavia Coelho, garantie sans trucages ni maniérismes – une voix douce et gouailleuse, altière et vulnérable, magnétique et chaleureuse, qui est sa voix de tous les jours, sa voix profonde et naturelle. Gommant les frontières entre les genres comme entre tradition et modernité, le melting-pop hors catégorie de Bossa Muffin n’est pas un produit de synthèse créé artificiellement en laboratoire : il est le fruit savoureux et parfaitement mûri d’une trajectoire et d’une personnalité unique.

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A 74 ans enfin le premier album de la légende de l’afro-cubain acoustique ! Avec les présences vocales des chanteurs d’Orchestra Baobab et Africando. Ablaye Ndiaye Thiossane acquit sa grande renommée en 1966 lors du premier Festival des Arts Nègres de Dakar où le président Léopold Sédar Senghor convia toute la diaspora noire pour cette manifestation culturelle historique. Pour cette occasion la chanson ‘’Talene Lampe Yi’’ fut retenue comme hymne de l’événement. Malgré cette ancienne notoriété, c’est seulement aujourd’hui, à l’âge de 74 ans, qu’il sort un premier album… forcément très attendu. Grande source d’inspiration pour toute une génération de sénégalais et, plus largement, de musiciens d’Afrique de l’Ouest, l’Orchestra Baobab en tête, Ablaye se fait le chantre de l’afro-cubanisme, en conviant notamment sur cet album les voix de Africando et celles du Baobab, sans oublier le saxophoniste légendaire de ce dernier orchestre.

Du Baobab à Laba Sosseh, du Buena Vista Social Club à Afrocubism, Ablaye Thiossane nous rappelle les origines d’une musique, celle de l’Afrique de l’Ouest matinée de couleurs latines, mêlant rumba et salsa. Ce magnifique ‘album éponyme est réalisé par François Bréant (Salif Keita, Bako Dagnon).

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